ACTUELLEMENT À LA GALERIE
23.12.2019
La Galerie Mansart vous souhaite des bonnes fêtes de fin d’année ! 🌟
Pendant cette période festive, nous vous invitons à voir l’exposition « Cristaux & Pollen » de Antoine Petel.
La galerie restera ouverte du 26 décembre au 29 décembre. Nous serons fermés les 25 décembre et 1er janvier.
__________________________________
Cristaux & Pollen
Antoine Petel
Exposition :
du 13 décembre 2019 au 12 janvier 2020
Antoine Petel est un plasticien poète. Il ne cherche pas à résoudre, il questionne, il ouvre, se tourne vers cosmos, les pieds enracinés dans le vivant. Ses oeuvres protéiformes sont autant d’avènements. Entre hasard et nécessité, entre arborescences mentales et organiques, il explore la matière et la conscience. Les formes qui en résultent sont autant d’éclats en expansion ou de bulles de questionnements s’arpégeant en variations colorées. [...]
Pulchérie Gadmer
Retrouvez les préparatifs de l'exposition d'Antoine Petel sur les comptes Instagram de la galerie et de l'artiste.
#expocristauxetpollen #antoinepetel #galeriemansart
Photo: Chrysalide rouge, Antoine Petel, 2019
@Arnaud de Saussine
Pendant cette période festive, nous vous invitons à voir l’exposition « Cristaux & Pollen » de Antoine Petel.
La galerie restera ouverte du 26 décembre au 29 décembre. Nous serons fermés les 25 décembre et 1er janvier.
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Cristaux & Pollen
Antoine Petel
Exposition :
du 13 décembre 2019 au 12 janvier 2020
Antoine Petel est un plasticien poète. Il ne cherche pas à résoudre, il questionne, il ouvre, se tourne vers cosmos, les pieds enracinés dans le vivant. Ses oeuvres protéiformes sont autant d’avènements. Entre hasard et nécessité, entre arborescences mentales et organiques, il explore la matière et la conscience. Les formes qui en résultent sont autant d’éclats en expansion ou de bulles de questionnements s’arpégeant en variations colorées. [...]
Pulchérie Gadmer
Retrouvez les préparatifs de l'exposition d'Antoine Petel sur les comptes Instagram de la galerie et de l'artiste.
#expocristauxetpollen #antoinepetel #galeriemansart
Photo: Chrysalide rouge, Antoine Petel, 2019
@Arnaud de Saussine
02.12.2019
Cristaux & Pollen
Antoine Petel
Vernissage :
jeudi 12 décembre à partir de 18h
Exposition :
du 13 décembre 2019 au 12 janvier 2020
Antoine Petel est un plasticien poète. Il ne cherche pas à résoudre, il questionne, il ouvre, se tourne vers cosmos, les pieds enracinés dans le vivant. Ses oeuvres protéiformes sont autant d’avènements. Entre hasard et nécessité, entre arborescences mentales et organiques, il explore la matière et la conscience. Les formes qui en résultent sont autant d’éclats en expansion ou de bulles de questionnements s’arpégeant en variations colorées.
L’artiste agite les particules du vivant et invente des procédés plastiques. Il part de cette tentative : peut-on agir avec la matière comme on voit la matière agir ? « J’observe le mécanisme en moi-même : de quoi suis-je fait ? » Il entreprend une exploration de la dynamique de la matière, entre projection, allégorie et représentation.
En tant que système conscient, nous représentons peut-être la structure la plus aboutie de la matière, pourtant, nous n'en sommes qu’une forme provisoire, suppose l’artiste, elle évoluera encore… En tant que sapiens au regard de l’histoire universelle entamée il y a quelques 14 milliards d’années, nous sommes à peine des nouveaux nés. Pourquoi cette explosion primordiale ? Que faisons-nous là ?
Comment habiter cette question constitue le centre du travail d’Antoine Petel. Et dans cette recherche formelle et chromatique joyeuse, réside sans doute le tour de force de l’artiste aux prises avec la matière. En pleines dystopies ambiantes, la déflagration optimiste de son oeuvre plastique est de taille. Une oeuvre qui précisément interroge les mécanismes même du vivant dans leurs représentation et réception. Le vivre ensemble s’en trouve ainsi éclairé.
Pulchérie Gadmer
Retrouvez les préparatifs de l'exposition d'Antoine Petel sur les comptes Instagram de la galerie et de l'artiste.
#expocristauxetpollen #antoinepetel #galeriemansart
Antoine Petel
Vernissage :
jeudi 12 décembre à partir de 18h
Exposition :
du 13 décembre 2019 au 12 janvier 2020
Antoine Petel est un plasticien poète. Il ne cherche pas à résoudre, il questionne, il ouvre, se tourne vers cosmos, les pieds enracinés dans le vivant. Ses oeuvres protéiformes sont autant d’avènements. Entre hasard et nécessité, entre arborescences mentales et organiques, il explore la matière et la conscience. Les formes qui en résultent sont autant d’éclats en expansion ou de bulles de questionnements s’arpégeant en variations colorées.
L’artiste agite les particules du vivant et invente des procédés plastiques. Il part de cette tentative : peut-on agir avec la matière comme on voit la matière agir ? « J’observe le mécanisme en moi-même : de quoi suis-je fait ? » Il entreprend une exploration de la dynamique de la matière, entre projection, allégorie et représentation.
En tant que système conscient, nous représentons peut-être la structure la plus aboutie de la matière, pourtant, nous n'en sommes qu’une forme provisoire, suppose l’artiste, elle évoluera encore… En tant que sapiens au regard de l’histoire universelle entamée il y a quelques 14 milliards d’années, nous sommes à peine des nouveaux nés. Pourquoi cette explosion primordiale ? Que faisons-nous là ?
Comment habiter cette question constitue le centre du travail d’Antoine Petel. Et dans cette recherche formelle et chromatique joyeuse, réside sans doute le tour de force de l’artiste aux prises avec la matière. En pleines dystopies ambiantes, la déflagration optimiste de son oeuvre plastique est de taille. Une oeuvre qui précisément interroge les mécanismes même du vivant dans leurs représentation et réception. Le vivre ensemble s’en trouve ainsi éclairé.
Pulchérie Gadmer
Retrouvez les préparatifs de l'exposition d'Antoine Petel sur les comptes Instagram de la galerie et de l'artiste.
#expocristauxetpollen #antoinepetel #galeriemansart
18.11.2019
15.11.2019
ciné collage, Full HD, BW and colour, loop, sound, 9,47 min, 2015-2017
Projection du film
«Anoir et la femme dans le jardin »
de
Patricia Reinhart
ciné collage, Full HD, BW and colour, loop, sound, 9,47 min, 2015-2017
Projection :
vendredi 22 novembre de 18h à 21h
à plusieurs reprises à travers la soirée
Exposition IN BLOOM :
du 8 novembre au 8 décembre 2019
Commissariat : Gabriela Anco
« Mes ciné-collages sont un travail individuel (one woman work). Je suis le modèle pour chaque personnage représenté et toutes les images sont extraites et arrangées par moi-même en studio d’une façon très privée.
Ce processus offre un point de vue singulier utilisant un caractère qui est à la fois un symbole, un avatar et une métaphore. Ces oeuvres ont un rapport direct avec le mélodrame en tant que technique de performance, notamment dans certains opéras. Mes mélodrames, plutôt que d’avoir des personnages de héros, d’héroïne, de méchant, etc., consistent en un personnage féminin unique. L’effet global est un récit de croissance personnelle face à un état d’être existentiel apocalyptique. »
Patricia Reinhart
Retrouvez les préparatifs de l'exposition de Patricia Reinhart sur les comptes Instagram de la galerie et de l'artiste.
#expoinbloom #patriciareinhart #galeriemansart
«Anoir et la femme dans le jardin »
de
Patricia Reinhart
ciné collage, Full HD, BW and colour, loop, sound, 9,47 min, 2015-2017
Projection :
vendredi 22 novembre de 18h à 21h
à plusieurs reprises à travers la soirée
Exposition IN BLOOM :
du 8 novembre au 8 décembre 2019
Commissariat : Gabriela Anco
« Mes ciné-collages sont un travail individuel (one woman work). Je suis le modèle pour chaque personnage représenté et toutes les images sont extraites et arrangées par moi-même en studio d’une façon très privée.
Ce processus offre un point de vue singulier utilisant un caractère qui est à la fois un symbole, un avatar et une métaphore. Ces oeuvres ont un rapport direct avec le mélodrame en tant que technique de performance, notamment dans certains opéras. Mes mélodrames, plutôt que d’avoir des personnages de héros, d’héroïne, de méchant, etc., consistent en un personnage féminin unique. L’effet global est un récit de croissance personnelle face à un état d’être existentiel apocalyptique. »
Patricia Reinhart
Retrouvez les préparatifs de l'exposition de Patricia Reinhart sur les comptes Instagram de la galerie et de l'artiste.
#expoinbloom #patriciareinhart #galeriemansart
21.10.2019
Patricia Reinhart, Sans Titre, aquarelle/feutre sur toile, 170 x 150 cm, 2019
IN BLOOM
Patricia Reinhart
Exposition :
7 novembre - 8 décembre 2019
Vernissage :
jeudi 7 novembre à partir de 18h
Commissaire : Gabriela Anco.
Patricia Reinhart, l’élémentaire élément femme
La plasticienne autrichienne travaille la sensualité comme fil rouge de l’identité. « As a woman, after the storm, I lay down my arms. I don’t want to fight anymore or to act like a man. I would love to go to the garden, as a woman. » Artiste plasticienne autrichienne, Patricia Reinhart peint, installe, performe, photographie et réalise ses ciné-collages, montages d’images fixes et mouvantes en still-motion. Son film « Anoir and the woman in the garden »(1) est un ciné-collage qui explore la féminité par le biais d’une sensualité impressionniste et définissante, exprimant une identité en dehors des stéréotypes et du mimétisme de la lutte masculin-féminin. Au carrefour du feu de l’eau de l’air et de la terre, Patricia Reinhart nous rappelle que nous sommes fait-e-s de particules élémentaires.
Carine Dolek
(1) Oeuvre présentée dans le cadre de la Nuit Blanche à Paris en 2018, projetée sur sur l'Enceinte de Philippe Auguste dans Paris 03.
Retrouvez les préparatifs de l'exposition le compte Instagram de la galerie.
#expoinbloom #galeriemansart #patriciareinhart
Patricia Reinhart
Exposition :
7 novembre - 8 décembre 2019
Vernissage :
jeudi 7 novembre à partir de 18h
Commissaire : Gabriela Anco.
Patricia Reinhart, l’élémentaire élément femme
La plasticienne autrichienne travaille la sensualité comme fil rouge de l’identité. « As a woman, after the storm, I lay down my arms. I don’t want to fight anymore or to act like a man. I would love to go to the garden, as a woman. » Artiste plasticienne autrichienne, Patricia Reinhart peint, installe, performe, photographie et réalise ses ciné-collages, montages d’images fixes et mouvantes en still-motion. Son film « Anoir and the woman in the garden »(1) est un ciné-collage qui explore la féminité par le biais d’une sensualité impressionniste et définissante, exprimant une identité en dehors des stéréotypes et du mimétisme de la lutte masculin-féminin. Au carrefour du feu de l’eau de l’air et de la terre, Patricia Reinhart nous rappelle que nous sommes fait-e-s de particules élémentaires.
Carine Dolek
(1) Oeuvre présentée dans le cadre de la Nuit Blanche à Paris en 2018, projetée sur sur l'Enceinte de Philippe Auguste dans Paris 03.
Retrouvez les préparatifs de l'exposition le compte Instagram de la galerie.
#expoinbloom #galeriemansart #patriciareinhart
23.09.2019
TERRAIN VAGUE
Odyssée Dao
Vernissage :
jeudi 10 octobre à partir de 18h
Exposition :
du 5 octobre au 3 novembre 2019
TERRAIN VAGUE
L’installation d’Odyssée Dao « Terrain vague » évoque une dérive absurde de notre relation à la consommation et à celle de l’eau en particulier. En effet, ces sachets plastiques (sources problématiques de déchets) nous promettent ni plus, ni moins... la mer.
Sous forme de kit do it yourself avec renfort marketing d’une image et d’un titre avec un jeu de mots « O2Mer », ces sachets normalement industrialisés et vendus au poids sont détournés par l’artiste pour nous faire réfléchir aux promesses et aux paradoxes de notre temps consumériste.
Il y a dans cette vague de sel, cet océan de potentiel marin, une ironie poétique, un constat d’impuissance et de légèreté. Ce travail peut s’apparenter à la mouvance DADA qui dans son manifeste affirmait (entre autres) : « Nous ne sommes pas assez naïfs pour croire dans le progrès. Nous ne nous occupons, avec amusement, que de l’aujourd’hui. Nous voulons être des mystiques du détail, des taraudeurs et des clairvoyants... »
L’installation étincelle, elle séduit par ses effets de lumière et son intégration tentaculaire à l’espace, et en même temps elle nous glace par l’atrocité qu’elle pourrait suggérer.
Un monde sans eau, où il ne subsisterait qu’une notice/un mode d’emploi de l’élément.
L’idée de la mer, mais plus de matière première.
Cette proposition vacille entre urgence écologique, poésie et absurdité.
A proximité du « Terrain vague » se trouvent trois grandes peintures, « La disparition du pigeon en trois étapes » qui représentent un pigeon qui semble passer le « test du miroir ». Nous sommes dans un système de représentation bien loin du réel même si le style de la peinture est réaliste. En effet, le reflet de l’oiseau disparaît, où est-ce la conscience de celui-ci qui s’efface ?
Ce triptyque évoque un mouvement mental qui pourrait se lire dans les deux sens : une disparition ou une apparition. La proie et l’ombre. Lorsque l’objet disparaît l’image resurgit, lorsque l’image apparaît, le pigeon se questionne ou plutôt nous renvoie, nous, spectateur, à réfléchir à ce qui est ou pourrait être. Le pigeon, cet animal que l’on aime détester, que l’on oublie de regarder parce qu’il nous semble si commun, nous apparaît immense et sacralisé sur la toile, l’artiste nous oblige à le voir, à nous identifier même, à cet oiseau finalement très beau et si banal, comme nous... peut-être.
Il y a aussi de l’absurde dans cette transposition, l’oiseau est beaucoup trop grand, le reflet est peint, il pourrait être son fantôme ou son double, l’illusion est visible. Dans ce choix du modèle, il y a cette idée que le sujet peut être manipulé, par le regard ou l’artiste, c’est comme un cobaye de nos croyances et de nos dérives que l’on soumet à un test de conscience, de conscience de soi.
Virginie Otth
Retrouvez les préparatifs de l'exposition le compte Instagram de la galerie.
#expoterrainvague #galeriemansart #odysseedao
Odyssée Dao
Vernissage :
jeudi 10 octobre à partir de 18h
Exposition :
du 5 octobre au 3 novembre 2019
TERRAIN VAGUE
L’installation d’Odyssée Dao « Terrain vague » évoque une dérive absurde de notre relation à la consommation et à celle de l’eau en particulier. En effet, ces sachets plastiques (sources problématiques de déchets) nous promettent ni plus, ni moins... la mer.
Sous forme de kit do it yourself avec renfort marketing d’une image et d’un titre avec un jeu de mots « O2Mer », ces sachets normalement industrialisés et vendus au poids sont détournés par l’artiste pour nous faire réfléchir aux promesses et aux paradoxes de notre temps consumériste.
Il y a dans cette vague de sel, cet océan de potentiel marin, une ironie poétique, un constat d’impuissance et de légèreté. Ce travail peut s’apparenter à la mouvance DADA qui dans son manifeste affirmait (entre autres) : « Nous ne sommes pas assez naïfs pour croire dans le progrès. Nous ne nous occupons, avec amusement, que de l’aujourd’hui. Nous voulons être des mystiques du détail, des taraudeurs et des clairvoyants... »
L’installation étincelle, elle séduit par ses effets de lumière et son intégration tentaculaire à l’espace, et en même temps elle nous glace par l’atrocité qu’elle pourrait suggérer.
Un monde sans eau, où il ne subsisterait qu’une notice/un mode d’emploi de l’élément.
L’idée de la mer, mais plus de matière première.
Cette proposition vacille entre urgence écologique, poésie et absurdité.
A proximité du « Terrain vague » se trouvent trois grandes peintures, « La disparition du pigeon en trois étapes » qui représentent un pigeon qui semble passer le « test du miroir ». Nous sommes dans un système de représentation bien loin du réel même si le style de la peinture est réaliste. En effet, le reflet de l’oiseau disparaît, où est-ce la conscience de celui-ci qui s’efface ?
Ce triptyque évoque un mouvement mental qui pourrait se lire dans les deux sens : une disparition ou une apparition. La proie et l’ombre. Lorsque l’objet disparaît l’image resurgit, lorsque l’image apparaît, le pigeon se questionne ou plutôt nous renvoie, nous, spectateur, à réfléchir à ce qui est ou pourrait être. Le pigeon, cet animal que l’on aime détester, que l’on oublie de regarder parce qu’il nous semble si commun, nous apparaît immense et sacralisé sur la toile, l’artiste nous oblige à le voir, à nous identifier même, à cet oiseau finalement très beau et si banal, comme nous... peut-être.
Il y a aussi de l’absurde dans cette transposition, l’oiseau est beaucoup trop grand, le reflet est peint, il pourrait être son fantôme ou son double, l’illusion est visible. Dans ce choix du modèle, il y a cette idée que le sujet peut être manipulé, par le regard ou l’artiste, c’est comme un cobaye de nos croyances et de nos dérives que l’on soumet à un test de conscience, de conscience de soi.
Virginie Otth
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16.08.2019
CRASH TEST
thetOOth&therOOt
Nikita Kravtsov et Camille Sagnes Kravtsova
Vernissage :
jeudi 5 septembre à partir de 18h
Exposition :
du 6 au 22 septembre 2019
Commissariat : Natalya Guzenko Boudier
Un accident mortel de voiture, de train ou d’avion est une chose qui nous fascine et qu’en même temps, nous essayons d’ignorer et de repousser de notre champ de conscience. Dans notre société, l’idée de la mort est cachée comme si elle ne faisait pas partie de notre existence.
La vie idéale, c’est une vie qui rejette tout ce qu’il y a d’inacceptable. Ce constat est un clin d’oeil à l’idée de « kitsch », chère à Milan Kundera : cette « station de correspondance entre l’être et l’oubli ». Ici, la vision d’un accident de voiture est une occasion dangereuse de ressentir la présence de la mort et, par conséquent, l’intolérable vérité de l’être.
Dans leur série Crash Test faite de collages sur toile avec des motifs découpés dans des vieux torchons de cuisine, les Kravtsov désamorcent la morbidité du réel en poussant l’expression du kitsch à son paroxysme : l’accident devient un univers acidulé, joyeux et puéril.
Lire la suite
Retrouvez les préparatifs de l'exposition de Camille et Nikita sur les comptes Instagram de la galerie et des artistes.
#expocrashtest #thetoothandtheroot #galeriemansart
thetOOth&therOOt
Nikita Kravtsov et Camille Sagnes Kravtsova
Vernissage :
jeudi 5 septembre à partir de 18h
Exposition :
du 6 au 22 septembre 2019
Commissariat : Natalya Guzenko Boudier
Un accident mortel de voiture, de train ou d’avion est une chose qui nous fascine et qu’en même temps, nous essayons d’ignorer et de repousser de notre champ de conscience. Dans notre société, l’idée de la mort est cachée comme si elle ne faisait pas partie de notre existence.
La vie idéale, c’est une vie qui rejette tout ce qu’il y a d’inacceptable. Ce constat est un clin d’oeil à l’idée de « kitsch », chère à Milan Kundera : cette « station de correspondance entre l’être et l’oubli ». Ici, la vision d’un accident de voiture est une occasion dangereuse de ressentir la présence de la mort et, par conséquent, l’intolérable vérité de l’être.
Dans leur série Crash Test faite de collages sur toile avec des motifs découpés dans des vieux torchons de cuisine, les Kravtsov désamorcent la morbidité du réel en poussant l’expression du kitsch à son paroxysme : l’accident devient un univers acidulé, joyeux et puéril.
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#expocrashtest #thetoothandtheroot #galeriemansart
01.07.2019
PORTFOLIOS
Paulina Denti
Imane Hachem
Kangrong He
Eve Martin
Alexis Morange
Maïté Maumy
Arsène Prat
Stéphane Triandé
Yvain Reydy
Vernissage :
4 juillet à partir de 18h
Exposition :
de 5 au 28 juillet 2019
Commissariat : Camille Frasca & Antoine Py
L’exposition Portfolios présente le travail de XX artistes de “l’Ecole Européenne Supérieure de l’Image Angoulême et Poitiers” à travers un ensemble de portfolios présentés sous la forme de papiers peints, sur lesquels sont apposés des cartels conçus par les artistes eux-mêmes. Pensée comme une installation collective, l’exposition Portfolios se veut un pied-de-nez cynique à l’actualité du statut de jeune artiste contemporain : contraint de réaliser des portfolios séduisants et d’organiser des visites d’atelier très bien gérées, il se débat avec l’image qu’il crée ou qu’il doit créer de lui-même et de son travail. Face à un monde de l’art obnubilé par la représentation du moi et par la quête d’un statut, l’artiste n’a plus qu’une minute pour décrire et convaincre : l’expérience est ici proposée via un téléphone permettant d’écouter la présentation orale de chacun.
Paulina Denti
Imane Hachem
Kangrong He
Eve Martin
Alexis Morange
Maïté Maumy
Arsène Prat
Stéphane Triandé
Yvain Reydy
Vernissage :
4 juillet à partir de 18h
Exposition :
de 5 au 28 juillet 2019
Commissariat : Camille Frasca & Antoine Py
L’exposition Portfolios présente le travail de XX artistes de “l’Ecole Européenne Supérieure de l’Image Angoulême et Poitiers” à travers un ensemble de portfolios présentés sous la forme de papiers peints, sur lesquels sont apposés des cartels conçus par les artistes eux-mêmes. Pensée comme une installation collective, l’exposition Portfolios se veut un pied-de-nez cynique à l’actualité du statut de jeune artiste contemporain : contraint de réaliser des portfolios séduisants et d’organiser des visites d’atelier très bien gérées, il se débat avec l’image qu’il crée ou qu’il doit créer de lui-même et de son travail. Face à un monde de l’art obnubilé par la représentation du moi et par la quête d’un statut, l’artiste n’a plus qu’une minute pour décrire et convaincre : l’expérience est ici proposée via un téléphone permettant d’écouter la présentation orale de chacun.
14.05.2019
Bianca Argimón : Par anomie
Vernissage : le 16 mai à partir de 18h
Exposition :
17 mai - 16 juin 2019
Commissaires d'exposition: Camille Frasca et Antoine Py
L'exposition personnelle « Par anomie » présente un ensemble d'oeuvres inédites de Bianca Argimón, artiste née en 1988.
Le concept d’anomie forgé par Emile Durkheim est un des plus importants de la théorie sociologique. Il caractérise la situation où se trouvent des individus lorsque les règles sociales qui guident leurs conduites et leurs aspirations perdent leur pouvoir, sont incompatibles entre elles ou lorsque, minées par les changements sociaux, elles doivent céder la place à d’autres. Cet état d’anomie amène à des rejets sociétaux importants de la part des individus qui le vivent.
Bianca Argimón fait le constat d’unesociété actuelle en perpétuel changement, dans un état transitoire devenu permanent, recyclant les images aussi vite que les technologies se périment. L’accélération ainsi provoquée amène à un malaise général qui influe sur de nombreux champsaux répercussions plus ou moins violentes. Cette société au bord de l’implosion, comme en témoigne notre immédiate actualité, est pourtant aussi celle où tout devient ludique, où tout doit passer par le prisme d’une recherche du plaisir immédiat et d’une notion du bonheur aux contours très flous.
[...]
Bianca Argimon nous emporte avec elle, dans des histoires sans fin où les mots sont souvent des anglicismes, où il est beaucoup question de religion, d’argent et de narcissisme, et où tout se mord la queue, où tout est à la fois vanité, vacuité et trop-plein. Elle illustre et interroge ainsi les versions 4.0 de l’humanité : homo ludens / homme augmenté / humanité uploadée / humanité surchargée, que les sociologues et philosophes actuels tentent de définir, sans jamais parvenir à rattraper le temps et à actualiser une évolution inactualisable.
Bianca Argimón nous parle du temps qu’il fait chez nous, sur cette planète affolée, ce temps si politique où voir et représenter est déjà une manière d’agir.
Vernissage : le 16 mai à partir de 18h
Exposition :
17 mai - 16 juin 2019
Commissaires d'exposition: Camille Frasca et Antoine Py
L'exposition personnelle « Par anomie » présente un ensemble d'oeuvres inédites de Bianca Argimón, artiste née en 1988.
Le concept d’anomie forgé par Emile Durkheim est un des plus importants de la théorie sociologique. Il caractérise la situation où se trouvent des individus lorsque les règles sociales qui guident leurs conduites et leurs aspirations perdent leur pouvoir, sont incompatibles entre elles ou lorsque, minées par les changements sociaux, elles doivent céder la place à d’autres. Cet état d’anomie amène à des rejets sociétaux importants de la part des individus qui le vivent.
Bianca Argimón fait le constat d’unesociété actuelle en perpétuel changement, dans un état transitoire devenu permanent, recyclant les images aussi vite que les technologies se périment. L’accélération ainsi provoquée amène à un malaise général qui influe sur de nombreux champsaux répercussions plus ou moins violentes. Cette société au bord de l’implosion, comme en témoigne notre immédiate actualité, est pourtant aussi celle où tout devient ludique, où tout doit passer par le prisme d’une recherche du plaisir immédiat et d’une notion du bonheur aux contours très flous.
[...]
Bianca Argimon nous emporte avec elle, dans des histoires sans fin où les mots sont souvent des anglicismes, où il est beaucoup question de religion, d’argent et de narcissisme, et où tout se mord la queue, où tout est à la fois vanité, vacuité et trop-plein. Elle illustre et interroge ainsi les versions 4.0 de l’humanité : homo ludens / homme augmenté / humanité uploadée / humanité surchargée, que les sociologues et philosophes actuels tentent de définir, sans jamais parvenir à rattraper le temps et à actualiser une évolution inactualisable.
Bianca Argimón nous parle du temps qu’il fait chez nous, sur cette planète affolée, ce temps si politique où voir et représenter est déjà une manière d’agir.
10.04.2019
MUTE
Une exposition organisée dans le cadre de la Saison France-Roumanie 2019
Manifestare organizată în cadrul Sezonului România-Franța 2019
Artistes : Nomi Blum, Damien Caccia, Stephanie Carranza, Albert Kaan, Dimitri Mallet, Célia
Nkala, Daniel Rosca, Vlad Turco
Commissariat : Camille Frasca et Antoine Py
Une “mutation” - ce changement définitif d’un organisme ou bien l’organisme lui-même déjà modifié est au coeur de cette exposition. Nous avons choisi d’utiliser le terme « mute » afin de jouer sur les différents sens de ce mot, en langue française, roumaine et anglaise : « mute » en français signifie «se transforme », en roumain, cela signifie « déménager» et en anglais, cela veut dire « silencieux » ou « momentanément sans voix ». Au travers de ces multiples connotations, nous voulons explorer non pas le lien formel mais le lien conceptuel qui peut exister entre deux scènes artistiques.
L’exposition réunit en effet des artistes aux pratiques transdisciplinaires, venant de France et de Roumanie, et incarnant une certaine vision de la production artistique émergente actuelle des deux pays. Les différents médiums et points de vue développés dans l’exposition témoignent des possibilités et de l’actualité du sujet exploré – ce constant changement de formes autour de nous, ayant un impact sur notre environnement sociétal et intime, et cette constante transformation des choses d’un état à un autre, depuis les mutations biologiques jusqu’aux changements sociologiques en passant par les transformations matérielles, qui nous fait dire que tout est en « devenir ». Les artistes en sont les vecteurs, construisant des images à partir de ce qu’ils perçoivent, et nous donnant des clefs de compréhension pour voir le monde non pas différemment mais dans sa vérité la plus charnelle. Tantôt mouvement, tantôt métamorphose.
Une exposition organisée dans le cadre de la Saison France-Roumanie 2019
Manifestare organizată în cadrul Sezonului România-Franța 2019
Artistes : Nomi Blum, Damien Caccia, Stephanie Carranza, Albert Kaan, Dimitri Mallet, Célia
Nkala, Daniel Rosca, Vlad Turco
Commissariat : Camille Frasca et Antoine Py
Une “mutation” - ce changement définitif d’un organisme ou bien l’organisme lui-même déjà modifié est au coeur de cette exposition. Nous avons choisi d’utiliser le terme « mute » afin de jouer sur les différents sens de ce mot, en langue française, roumaine et anglaise : « mute » en français signifie «se transforme », en roumain, cela signifie « déménager» et en anglais, cela veut dire « silencieux » ou « momentanément sans voix ». Au travers de ces multiples connotations, nous voulons explorer non pas le lien formel mais le lien conceptuel qui peut exister entre deux scènes artistiques.
L’exposition réunit en effet des artistes aux pratiques transdisciplinaires, venant de France et de Roumanie, et incarnant une certaine vision de la production artistique émergente actuelle des deux pays. Les différents médiums et points de vue développés dans l’exposition témoignent des possibilités et de l’actualité du sujet exploré – ce constant changement de formes autour de nous, ayant un impact sur notre environnement sociétal et intime, et cette constante transformation des choses d’un état à un autre, depuis les mutations biologiques jusqu’aux changements sociologiques en passant par les transformations matérielles, qui nous fait dire que tout est en « devenir ». Les artistes en sont les vecteurs, construisant des images à partir de ce qu’ils perçoivent, et nous donnant des clefs de compréhension pour voir le monde non pas différemment mais dans sa vérité la plus charnelle. Tantôt mouvement, tantôt métamorphose.
25.02.2019
ON THE ROAD
par Rada Tzankova
Du 9 mars au 14 avril 2019
VERNISSAGE le 14 mars 2019 de 18h à 21h
Pour sa première exposition personnelle à la Galerie Mansart Rada Tzankova inspiré par la country de Willy Nelson, Why don't we do it in the road des Beatles, enregistrés dans les années 70/80, qui évoquent pour l'artiste un temps où l'homme se préoccupait plus de son âme que de son avoir. On the Road parle de ce temps mais également de l'espoir que l'homme reviendra vers son âme d'une nouvelle façon.Dans le travail de Rada Tzankova, l'homme est à la recherche de sa place dans le monde. Des oeuvres que l'académicien François Cheng définit comme « ces paysages habités vibrent d’une lumière ou l’âme humaine entre en résonance avec le mouvement rythmique qui gravite du fond de l’univers vivant…"
ON THE ROAD
par Rada Tzankova
Du 9 mars au 14 avril 2019
VERNISSAGE le 14 mars 2019 de 18h à 21h
Pour sa première exposition personnelle à la Galerie Mansart Rada Tzankova inspiré par la country de Willy Nelson, Why don't we do it in the road des Beatles, enregistrés dans les années 70/80, qui évoquent pour l'artiste un temps où l'homme se préoccupait plus de son âme que de son avoir. On the Road parle de ce temps mais également de l'espoir que l'homme reviendra vers son âme d'une nouvelle façon.Dans le travail de Rada Tzankova, l'homme est à la recherche de sa place dans le monde. Des oeuvres que l'académicien François Cheng définit comme « ces paysages habités vibrent d’une lumière ou l’âme humaine entre en résonance avec le mouvement rythmique qui gravite du fond de l’univers vivant…"
24.01.2019
TOUT VA TRÈS BIEN
LOUISA BABARI / ANNE DEGUELLE / SILVÈRE JARROSSON /
NIYAZ NAJAFOV / LUCA RESTA / CHARLOTTE PUERTAS /
SANNE DE WOLF
Exposition collective réalisée sous le commissariat d'Azad Asifovich
Du 1er au 24 février 2019
VERNISSAGE le 31 JANVIER 2019 de 18h à 21h
TOUT VA TRÈS BIEN
LOUISA BABARI / ANNE DEGUELLE / SILVÈRE JARROSSON /
NIYAZ NAJAFOV / LUCA RESTA / CHARLOTTE PUERTAS /
SANNE DE WOLF
Du 1er au 24 février, exposition collective réalisée sous le commissariat d'Azad Asifovich.
Une sélection d'oeuvres, par sept artistes issus de différents pays, et sur différents médiums. Ils emploient la dimension esthétique et poétique pour parler de la ville en tant que lieu d’ intervention, d’ interaction,simplement comme lieu de vie. L’ exposition abordera cette question de la ville à travers les notions de politique du paysage, de déplacement et de coexistence.